Repetities voor de repetitie

Katy Pyle
Sneaker Ballez Dit is een gevorderde balletles. De les begint met het gebruik van bestaande architectuur (en sculpturen) als balletstangen en verplaatst zich vervolgens naar openbare ruimtes met oefeningen over de vloer, uitgevoerd voor bomen en nieuwsgierige toeschouwers. Begeleid door nostalgische en soms wat gênante queer pophits van vroeger en nu, nodigt deze les je uit om je te richten op plezier, verbinding en persoonlijke virtuositeit. De balletlessen zijn geïnspireerd op mijn lerares, Janet Panetta. Draag flexibele sportschoenen waarmee je kunt draaien en springen.
—Katy Pyle

Kerndeelnemers
Elia Jones
Josie Bettman
Julia Antinozzi
Michael Bryan Wang
Lavinia Eloise Bruce

Bio
Katy Pyle is een genderqueer lesbische danseres, choreografe en docente. Pyle danst sinds 2002 professioneel in New York City voor onder anderen John Jasperse, Jennifer Monson, Faye Driscoll, Ivy Baldwin, Xavier Le Roy en Young Jean Lee. In 2011 richtte Pyle Ballez op om het klassieke ballet een inclusieve toekomst te geven door de ervaringen van queer, lesbische, transgender en gender non-conforme personen centraal te stellen in de creatie van grootschalige verhalende balletten, open lessen en publieke gesprekken. Belangrijke verhalende balletten: “The Firebird, a Ballez,” Danspace Project, 2013, “Sleeping Beauty & the Beast,” La Mama, 2016 en “Giselle of Loneliness,” The Joyce, 2021. Pyle heeft Ballez naar Princeton, Sarah Lawrence, Yale, Movement Research, CounterPULSE, Bowdoin, Whitman, Beloit, Slippery Rock University, Rutgers, Berea College en Swarthmore gebracht. Pyle geeft momenteel techniekles aan bachelorstudenten aan Eugene Lang College en Marymount Manhattan, en aan professionele dansers bij Gibney Dance. Ballez.org

Angie Pittman
Soul Line Dancing Het is het resultaat van talloze gemeenschappen van zwarte mensen die samen creëren, delen, oefenen en dansen. Pittman zal, voornamelijk op R&B-muziek, een open les geven en het publiek begeleiden door 5-6 verschillende Soul Line Dances die ze in de loop der tijd heeft geleerd. We dansen samen als een manier om ons met elkaar en de ruimte die we bewonen te verbinden.
—Angie Pittman

Kerndeelnemers
Malcolm-x Betts
Nile Harris
Gabriella Carmichael
Ariel Lembeck
Lily Bo Shapiro

Bio
Angie Pittman is een in New York gevestigde danskunstenaar, maker en docent. Haar werk is uitgevoerd bij The Kitchen, Gibney Dance, BAAD!, Movement Research at Judson Church, Triskelion Arts, STooPS, The Domestic Performance Agency, The KnockDown Center, The Invisible Dog (Catch 73), The Chocolate Factory, Danspace Project en Roulette. Pittman heeft het genoegen gehad om samen te werken met A Sef, Jasmine Hearn, Jonathan Gonzalez, Athena Kokoronis en Anita Mullin. Ze behaalde een MFA in dans en choreografie aan de Universiteit van Illinois in Urbana-Champaign met een minor in Afro-Amerikaanse studies en is een gecertificeerd docent in de Umfundalai-techniek. Haar choreografisch werk is ondersteund door een noodsubsidie ​​van de Foundation for Contemporary Arts en residenties via Tofte Lake Center, Movement Research, New Dance Alliance Black Artists Space to Create en Djerrassi. Het werk van Pittman bevindt zich in een ruimte die onderzoekt hoe het lichaam beweegt door middel van ballade, groove, sprankeling, spiritualiteit, voorouders, kwetsbaarheid en kracht. Ze is momenteel gastdocent dans aan het Marymount Manhattan College.

Luciana Achugar
Plezierpraktijk
Dit participatieve project is gebaseerd op Achugars eigen praktijk, ontwikkeld door jarenlang dansen te maken als methode om af te leren van ons hoofd en te leren van ons lichaam; een methode van radicale zelfacceptatie in plaats van ons lichaam te dwingen vooropgezette ideeën over zijn en/of gedrag op te leggen. Via deze praktijk onderzoeken we manieren om te ontdekken wat al in onszelf aanwezig is (maar misschien onderdrukt of verdrongen), en hoe we de voorwaarden kunnen scheppen om het te laten manifesteren en vanzelf te laten verschijnen. De praktijk van het ervaren van plezier is een praktijk van het ontmantelen van het aangeleerde hiërarchische model van lichamelijkheid dat in ons is geprogrammeerd, en van de schaamte die daarmee gepaard gaat, om een ​​meer bevrijd, krachtig, gedekoloniseerd, ongetemd zelf te ontdekken dat meer verbonden is met onze instincten, ons hart, onze ingewanden en onze seksualiteit, om samenzijn en verbondenheid met de aarde, met onszelf en met anderen te vieren.
—Luciana Achugar

Kerndeelnemers
Molly Lieber
Michael Mahalchick
Sarah White-Ayón
Oren Barnoy

Bio
Luciana Achugar is een in Brooklyn gevestigde choreografe van Uruguayaanse afkomst. Ze ontwikkelde zich als kunstenaar in nauwe dialoog met de hedendaagse dansgemeenschappen van New York City en Uruguay. Sinds 1999 maakt ze werk in New York City en Uruguay. Haar werk richt zich op de postkoloniale wereld en streeft naar een ontmanteling van de huidige machtsstructuren van binnenuit. Ze heeft tweemaal de Bessie Award gewonnen en werd genomineerd voor Epilogue. OTRO TEATRO: True Love (2016). Ze heeft vele onderscheidingen ontvangen, zoals de Guggenheim Fellowship, Creative Capital Grant, Foundation for Contemporary Arts Grant, MAP Funds, Jerome Foundation, de Alpert Award 2017 en NYFA Artist Grants. Haar meest recente en lopende werk, "PURO TEATRO: A Spell for Utopia", begon als een online project op Instagram in opdracht van en voor het Time-Based Art Festival van het Portland Institute of Contemporary Arts in het najaar van 2020, en ging in november 2021 in première als een live performance in het Chocolate Factory Theater in medeopdracht van het Skirball Center for the Performing Arts van NYU. Ze is momenteel een USA Doris Duke Fellow van 2022.

Moriah Evans
Ons lichaam onszelf
We zullen een speculatieve relatie tot ons eigen lichaam en de lichamen van anderen onderzoeken om te begrijpen wat onze lichamen bevatten. Feminisme vormt de basis voor een dansmethodologie die vanuit de diepste organen van het lichaam ontstaat. We zullen werken met een systeem van perceptie en actie door middel van vijf verschillende energetische modaliteiten. We zullen beweging articuleren vanuit geïndividualiseerde sensaties die voor altijd onbekend en voortdurend subjectief blijven, en daarbij de representaties loslaten die vaak op het lichaamsoppervlak worden geprojecteerd. Hoe kunnen we toegang krijgen tot noties van afvalstoffen in het lichaam om deze te verdrijven? We zullen cathartische gebeurtenissen in stand houden die leiden tot een verbinding met het zelf en het lichaam, en vervolgens onderzoeken wat er in hun kielzog gebeurt, wat overblijft.
—Moriah Evans

Kerndeelnemers
Lizzie Feidelson
Kris Lee
Joao dos Santos Martins
Sarah Beth Percival
Varinia Canto Vila

BIO
Het werk van Moriah Evans positioneert dans en choreografie als een speculatief proces. Door beweging te ontwikkelen vanuit de onzichtbare, maar voelbare werelden van de materialiteit en de affectieve innerlijke ruimte van een lichaam, stelt Evans in haar projecten de gangbare hiërarchieën tussen vlees, lichaam, zelf en subject ter discussie. Gebruikmakend van zowel feministische kritieken op visualiteit als somatische choreografische praktijken, verruimt Evans in haar werk de relatie tot dans voorbij het zichtbare, naar verschillende manieren om onszelf en onze relaties tot elkaar te ervaren. Recente werken zijn onder andere: RUSTEN (Beach Sessions, NY, 2021) BASTAARDS: Wij zijn allemaal onwettige kinderen. (NYU Skirball, New York City, 2019); Configure (The Kitchen, NY, 2018); Uitzoeken (SculptureCenter, New York City, 2018); Wees mijn muze (Pace Live, New York City, 2021; Hirshhorn Museum, Washington, DC, 2018; Villa Empain, Brussel, 2016); Sociale dans 9-12: Ontmoeting (Danspace Project, New York City, 2015); Sociale dans 1–8: Index (ISSUE Project Room, New York City, 2015); Nog een prestatie (Danspace Project, New York City, 2013); en Uit en in (8/8): DINGEN (Théâtre de l'Usine, Genève, 2012). In 2011 initieerde Evans Het Bureau voor de Toekomst van Choreografie—een collectief dat is opgericht om participatieve performances en choreografische systemen te onderzoeken. Evans was hoofdredacteur van het tijdschrift. Tijdschrift voor bewegingsonderzoek en prestaties (2013–20), curatoriaal adviseur voor het Tanzkongress (2019), en sinds 2016 co-curator/facilitator van dans en proces (The Kitchen). Ze is winnaar van de Foundation for Contemporary Art Individual Artist Award, MacDowell Fellow en Guggenheim Fellow in Choreografie (2022).

David Watson
Oefenen, oefenen
Een reeks improvisatorische muzikale reacties verspreid over het park die rouleren. Repetitie en het omliggende parkgebied. Deze reacties worden geleid door de locaties en een onderzoek naar hun eigen klankeigenschappen. Geïnspireerd door het idee van een 'repetitie' als culturele vorm en het verschil met een performance, met de inherente ideeën van publiek en privé, worden deze reacties gestuurd door Wiesers sculpturen en de eigen geschiedenis van de muzikanten.
—David Watson

Kerndeelnemers
Marcia Bassett – analoge synthesizer
Daniel Carter – altsaxofoon
Marcus Cummins – sopraansaxofoon
Ian Douglas-Moore – gitaar, elektronica
Lathan Hardy – saxofoon
Sam Kulik – tuba
Talice Lee – viool
Samara Lubelski – viool
Ryan Sawyer – drums
Kevin Shea – drums
David Watson – doedelzak

Bio
David Watson is een experimenteel muzikant en sinds de jaren 1980 een belangrijk figuur in de New Yorkse muziekscene. Zijn specialiteit is nieuwe muziek voor de doedelzak. Hij heeft zich consequent toegelegd op het maken van experimentele muziek in de openbare ruimte (ook voor brassbands en doedelzakbands) om locaties door middel van geluid te verkennen. The New York Times beschreven "opgesloten”, Een stuk dat hij maakte met choreograaf Jamar Roberts, wordt beschouwd als "een van de krachtigste artistieke reacties tot nu toe op de Covid-19-crisis". Hij organiseert en cureert al 40 jaar experimentele muziek.     https://davidwatsonmusic.net