De buitenkant van een treinstation met drie grote boogvormige ramen en deuren, waarbij het kunstwerk door het raam heen te zien is.

Treinhal Moynihan

Moynihan-treinhal

Permanent te bezichtigen

Over ons

Wat maakt een openbaar gebouw tot een echt openbare ruimte, die een gevoel van gedeeld eigenaarschap en collectieve trots oproept? In de nieuwe Moynihan Train Hall legt een reeks opmerkelijke kunstwerken de geest vast van democratische doelen, historische herinnering en innovatief ontwerp die dit nieuwe middelpunt van de essentiële stedelijke infrastructuur van New York City kenmerken.

Het historische Pennsylvania Station, een meesterwerk in Beaux-Arts-stijl ontworpen door McKim, Mead & White, opende zijn deuren in 1910. De sloop ervan in 1963 betekende het verlies van een geliefd architectonisch en maatschappelijk monument in het hart van de stad. De ultramoderne Moynihan Train Hall, voltooid in december 2020 onder leiding van gouverneur Andrew M. Cuomo, is een zorgvuldige maar visionaire renovatie van het James A. Farley Post Office uit 1912, het voorname zustergebouw van het oorspronkelijke Pennsylvania Station.

Meer informatie

Public Art Fund Ik werd door Empire State Development uitgenodigd om een programma van ambitieuze kunstinstallaties te ontwikkelen en te leiden voor drie prominente locaties in de Train Hall. In lijn met de architectonische integratie van oud en nieuw in het herontworpen gebouw, gaf het kunstprogramma drie van 's werelds meest vooraanstaande kunstenaars de opdracht om grootschalige, locatiegebonden kunstwerken te creëren die breed reflecteren op begrippen als verleden, heden en toekomst. Deze zeer verschillende opdrachten, van Stan Douglas, Elmgreen & Dragset en Kehinde Wiley, tonen de vindingrijkheid en visie van elke kunstenaar.

Stan Douglas heeft de geschiedenis van het oorspronkelijke Penn Station onderzocht en met behulp van de meest geavanceerde digitale technologieën van vandaag de dag op heroïsche wijze verhalen uit verschillende tijdperken tot leven gebracht. Elmgreen & Dragset hebben een denkbeeldige wereldmetropool gedroomd en deze tot een sculptuur verheven, ondersteboven, die de onweerstaanbare stedelijke energie van de stad uitstraalt. Kehinde Wiley heeft, geïnspireerd door klassieke fresco's op plafonds en verlicht glas-in-lood, de bewegingen van breakdance – een dansvorm die is ontstaan in de straten van de Bronx – verwerkt tot een lyrische allegorie van dynamische menselijke expressie. Deze opdrachten, gekenmerkt door gedurfde combinaties van oud en nieuw, zijn emblematisch voor de voortdurende innovatie en transformatie die zo kenmerkend zijn voor New York. Ze zijn op verschillende manieren boeiend en krachtig, elk geïnspireerd door het rijke erfgoed van New York, de diverse en getalenteerde inwoners en de creatieve geest. Samen geven ze op een schitterende artistieke invulling aan het genereuze, maatschappelijke karakter van Moynihan Train Hall.

Stan Douglas, Een halve eeuw Penn Station

Van 1910 tot 1963 stond het oorspronkelijke Pennsylvania Station één blok ten oosten van Moynihan Train Hall, op de plek waar nu Madison Square Garden staat. De sloop van het imposante Beaux-Arts-gebouw, ontworpen door de vooraanstaande Amerikaanse architecten McKim, Mead & White, wordt nu beschouwd als een onvergelijkbaar verlies voor de geschiedenis van de architectuur uit het Gilded Age en voor het stadsbeeld van New York. In de wachtruimte van Moynihan Train Hall reconstrueert kunstenaar Stan Douglas met negen fotografische panelen, gerangschikt in drie paren en een drieluik, belangrijke maar weinig bekende momenten uit de halve eeuw dat het station bestond. Ze vormen levendige evocaties van de vergeten geschiedenis van de stad. Om zowel het gesloopte gebouw als deze momenten te reconstrueren, deed Douglas uitgebreid archiefonderzoek. Aan de hand van foto's, krantenartikelen en architectuurplannen bracht hij historische gebeurtenissen opnieuw tot leven door acteurs in historische kostuums te laten poseren en fotograferen. Douglas voegde tientallen opnames samen om elk tableau te creëren, dat hij vervolgens plaatste in nauwkeurig vormgegeven CGI-achtergronden (computergegenereerde beelden) die de hoge plafonds en statige hallen van het oorspronkelijke station getrouw reproduceren. Douglas selecteerde gebeurtenissen die de breedte van de collectieve ervaring vastleggen waarvoor Penn Station als toneel diende. Met een filmische kwaliteit brengt elke scène de geschiedenis tot leven met een opmerkelijke precisie, waardoor dit architectonische monument zich ontpopt als een groots theater voor de miljoenen menselijke drama's die openbare ruimtes tot leven brengen en ze betekenis geven.

Meer informatie

Sinds eind jaren tachtig gebruikt Douglas fotografie, film en theater om de geschiedenis en de middelen waarmee deze wordt gedocumenteerd, en die de vorm ervan in ons collectieve geheugen bepalen, opnieuw te bekijken. Douglas' kunstwerken, voortkomend uit gedegen historisch onderzoek, werpen een nieuw licht op vergeten gebeurtenissen die specifiek zijn voor een bepaalde locatie. Hij focust zich vaak op intieme, lokale momenten van spektakel en ontroering die verwijzen naar bredere maatschappelijke verschuivingen. Bij het herintroduceren van deze gebeurtenissen verwijst Douglas bewust naar de technologieën die hij gebruikt om ze tot leven te brengen. Een halve eeuw Penn StationDe afbeeldingen van variétéartiesten, Hollywood-setontwerpen en reclamecampagnes met fotomuurpanelen weerspiegelen Douglas' eigen artistieke proces en suggereren dat fotografische documentatie zowel een medium voor fantasie als voor realisme kan zijn. De negen afzonderlijke scènes, speciaal ontworpen voor de reeks van vier architectonische nissen die de achterwand van de wachtruimte met kaartjes sieren, zijn met elkaar verbonden door meerdere verhaallijnen en introduceren subtiele details die zich bij nadere beschouwing openbaren. Een halve eeuw Penn Station Dit is de eerste permanente openbare opdracht van de kunstenaar in de Verenigde Staten.

Stan Douglas (geb. 1960, Vancouver, Canada; woont en werkt in Vancouver)
Een halve eeuw Penn Station, 2020
Keramische inkt op glas
Negen fotopanelen geplaatst in vier nissen: elke nis is 1,92 m hoog x 6,74 m breed x 1,32 m diep.
In opdracht van Empire State Development in samenwerking met Public Art Fund

Installatiefoto's

Twee horizontale panelen met foto's, met daaronder blauwe bekleding en houten zitmeubelen. De twee foto's tonen nagespeelde gebeurtenissen van belangrijke, maar weinig bekende...

In een treinstationhal hangen aan een wand twee horizontale panelen met foto's, met daaronder blauwe bekleding en houten zitmeubelen. De twee foto's tonen nagespeelde scènes...

Over de kunstenaar

stan douglas Bekijk profiel

Sinds eind jaren tachtig gebruikt Stan Douglas (geb. 1960, Vancouver, Canada) fotografie, film en theater om de geschiedenis en de middelen waarmee deze wordt gedocumenteerd, en die de vorm ervan in ons collectieve geheugen bepalen, opnieuw te bekijken. Douglas' kunstwerken, voortkomend uit gedegen historisch onderzoek, werpen een nieuw licht op vergeten gebeurtenissen die specifiek zijn voor een bepaalde locatie. Hij focust zich vaak op intieme, lokale momenten van spektakel en ontroering die verwijzen naar bredere maatschappelijke verschuivingen. Bij het herintroduceren van deze gebeurtenissen verwijst Douglas bewust naar de technologieën die hij gebruikt om ze tot leven te brengen.

Het werk van Douglas is het onderwerp geweest van solotentoonstellingen in vooraanstaande instellingen zoals het Hessel Museum of Art, Bard College, Annandale-on-Hudson, N (2025); DAS MINSK Kunsthaus, Potsdam, Duitsland (2022); Phi Foundation, Montreal (2022); Art Gallery of Nova Scotia, Halifax (2022); Toledo Museum of Art, OH (2021); Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean (MUDAM), Luxemburg (2018); Pérez Art Museum, Miami (2016); Salzburger Kunstverein, Salzburg, Oostenrijk (2016); Hasselblad Center, Göteborg, Zweden (2016); en WIELS Centre d'Art Contemporain, Brussel (2015). Zijn werk is te zien geweest op de Biënnale van Venetië (2022, 2019, 2005, 2001, 1990) en op documenta (2002, 1997, 1992). Douglas heeft vele prijzen ontvangen, waaronder de Audain Prize for Visual Art (2019); de Hasselblad Foundation International Award in Photography (2016); de derde jaarlijkse Scotiabank Photography Award (2013); en de Infinity Award van het International Center of Photography in New York (2012). Werken van de kunstenaar bevinden zich in collecties over de hele wereld, waaronder de Art Gallery of Ontario, Toronto; Centre Georges Pompidou, Parijs; Los Angeles County Museum of Art, Californië; Museum of Contemporary Art Chicago, Illinois; The Museum of Modern Art, New York City; National Gallery of Canada, Ottawa; Pérez Art Museum, Miami; San Francisco Museum of Modern Art, Californië; Solomon R. Guggenheim Museum, New York City; Tate, Londen; en Vancouver Art Gallery, Canada. Douglas woont en werkt in Vancouver.

(vanaf 2025)

Kunstwerken

Foto van een geïmproviseerde variétévoorstelling in de wachtkamer van het historische Penn Station.

Mensen gekleed in winterkleding uit de jaren twintig verzamelen zich rond de trap om de arrestant naar buiten te zien komen en foto's te maken.

Een driemotorig vliegtuig staat geparkeerd in de schemerige, lege wachtruimte van een groot station. De zon stroomt de wachtruimte binnen terwijl de passagiers mondjesmaat binnenkomen.

Zes enorme zwart-witfotomuurpanelen in een groot treinstation tonen spoorwegmedewerkers: een conducteur, een machinist, een soldaat en nog veel meer.

Een afbeelding van een modern loket en servicepunt in een groots treinstation, met een oplichtend dak dat op een schelp lijkt.

Een foto toont de laatste momenten van genegenheid, waarop soldaten die naar de Tweede Wereldoorlog vertrekken afscheid nemen van hun geliefden in een groots treinstation.

Een verlaten geluidsstudio uit een filmset uit 1945, die zich afspeelt in een grote treinhalle en waar alleen technici, rekwisieten en lichtapparatuur te vinden zijn.

Elmgreen & Dragset, The Hive

Hangend aan het plafond van de entreehal halverwege het blok aan 31st Street, The Hive Dit is een architectonisch model op schaal 1:100 dat een surrealistische en fantastische visie biedt op een wereldmetropool. Tientallen verlichte wolkenkrabbers dalen neer op de bezoekers, waarbij hun naar beneden gerichte oriëntatie nieuwe en gevarieerde perspectieven biedt naarmate bezoekers zich door de ruimte bewegen. Het kunstenaarsduo Elmgreen & Dragset heeft zelfontworpen miniatuurwolkenkrabbers gecombineerd met iconische wolkenkrabbers uit megasteden over de hele wereld, waarbij deze torens tot hun meest essentiële vormen zijn teruggebracht. Deze fictieve stad combineert bezienswaardigheden uit Chicago, Hongkong, Kuala Lumpur, Londen en Parijs, evenals iconische silhouetten van New York City.

Meer informatie

Het werk een titel geven The HiveDe kunstenaars suggereren een verband tussen natuurlijke en door de mens gemaakte structuren, zoals de complexe en evoluerende architectuur van een bijenkorf. Ze vergelijken de aan het plafond bevestigde gebouwen ook met lichtgevende stalactieten die een eerbetoon zijn aan de hoogontwikkelde steden waarin we tegenwoordig leven, terwijl ze ons tegelijkertijd herinneren aan onze oorsprong als grotbewoners. Deze ongewone, hybride representatie van een stedelijk centrum, vertrouwd maar toch vreemd, benadrukt de globalisering van architectonisch ontwerp en roept de invloed en onderlinge verbondenheid van 's werelds grote steden op. Als een omgekeerde weerspiegeling van het stadsbeeld net buiten de deuren van de Train Hall, The Hive Het beeldt de essentie uit van New York City als een smeltkroes waar culturen, nationaliteiten en etniciteiten naast elkaar bestaan en samen meer vormen dan de som der delen.

Sinds 1995 creëren Elmgreen & Dragset sculpturen en installaties die nieuwe perspectieven bieden op de structuren en systemen die ons leven beheersen. Hun werken verplaatsen en herpositioneren alledaagse objecten in onverwachte arrangementen en omgevingen, vaak met een subversieve humor. Door het vertrouwde te hercontextualiseren, transformeren de kunstenaars de alledaagse elementen van onze leefomgeving – geldautomaten, rioolbuizen, zwembaden in de buitenwijken – en nodigen ze uit tot nieuwe verhalen en activeren ze associaties met bredere maatschappelijke spanningen. De strategie van verplaatsing van Elmgreen & Dragset verandert fundamenteel onze perceptie van onze omgeving en verzet zich vaak tegen noties van conformiteit binnen onze gebouwde en sociaal-culturele omgeving. In lijn met hun werkwijze en in visuele dialoog met de werken van de kunstenaars. Magic Mushrooms (2015) en Stad in de lucht (2019) The Hive Het biedt ons een verrassende perceptuele en ruimtelijke relatie tot een vertrouwd beeld: de skyline van de stad. De imposante gestalte van de omgekeerde wolkenkrabbers is tegelijkertijd overweldigend en fascinerend. Het roept de magnetische aantrekkingskracht van steden en de voortdurende verstedelijking van onze wereld op. Met gebouwen tot 2,7 meter hoog en meer dan 1.3 kilometer aan LED-strips is dit een van hun technisch meest complexe installaties. The Hive Dit is het eerste permanente openbare kunstwerk van de kunstenaars in New York.

Elmgreen & Dragset
Michael Elmgreen (geb. 1961, Kopenhagen, Denemarken; woont en werkt in Berlijn, Duitsland), Ingar Dragset (geb. 1969, Trondheim, Noorwegen; woont en werkt in Berlijn, Duitsland)
The Hive, 2020
Roestvrij staal, aluminium, polycarbonaat, ledverlichting en lak
45' 5" L x 22' 5" B x 12' D
In opdracht van Empire State Development in samenwerking met Public Art Fund

Installatiefoto's

Een close-up van een reeks zwart-wit verlichte hoogbouw die vanuit het plafond naar beneden lijkt te komen.

Een reeks zwart-witte, verlichte hoogbouw die vanuit het plafond van een treinstation naar beneden leek te komen, met drie boogvormige ramen.

Een reeks zwart-witte, verlichte wolkenkrabbers leek vanuit het plafond van een treinstation naar beneden te komen.

Een reeks zwart-witte, verlichte wolkenkrabbers daalt neer vanuit het plafond van een treinstation. Mensen lopen onder het kunstwerk door.

Elmgreen & Dragset betuigen hun dank aan hun studio (Niklas Schumacher, Margo Lauras, Moritz Pitrowski, Rhiannon Thayer, Darius Am Wasser, Phoebe Emerson, Leona Tobien, Sasha Mballa-Ekobena), evenals aan Steelworks, Studio Barthelmes, UAP, Torsilieri en Craft Engineering.

Over de kunstenaar

Elmgreen & Dragset Bekijk profiel

Elmgreen & Dragset hebben solotentoonstellingen gepresenteerd in instellingen zoals het Musée d'Orsay, Parijs (2024–25); Centre Pompidou-Metz, Frankrijk (2023–24), Fondazione Prada, Milaan (2022); The Nasher Sculpture Center, Dallas (2019–20); The Whitechapel Gallery, Londen (2018–19); Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv (2016); UCCA Center for Contemporary Art, Peking (2016); PLATEAU, Samsung Museum of Art, Seoul (2015); Victoria and Albert Museum, Londen (2013–14); Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam (2011); en ZKM Museum of Modern Art, Karlsruhe (2010). Hun werk is opgenomen in de NGV Triënnale, Melbourne, Australië (2023). Biënnale van Bangkok (2018), Biënnale van Istanbul (2013, 2011, 2001), Biënnale van Liverpool (2012), Biënnale van Singapore (2011), Biënnale van Moskou (2011, 2007), Biënnale van Venetië (2009, 2003), Biënnale van Gwangju (2006, 2002), Biënnale van São Paulo (2002) en Biënnale van Berlijn (1998). In 2012 werden Elmgreen & Dragset geselecteerd voor de Fourth Plinth Commission in Trafalgar Square in Londen. Hun werk is opgenomen in de collecties van het Museum of Contemporary Art, Chicago; ARKEN Museum of Contemporary Art, Ishøj, Denemarken; Columbus Museum of Art, Ohio; Museo Jumex, Mexico-Stad; Hamburger Bahnhof, Nationalgalerie der Gegenwart, Berlijn; Leeum, Samsung Museum of Art, Seoul; Louisiana Museum voor Moderne Kunst, Humlebæk, Denemarken; en Moderna Museet, Stockholm. Elmgreen & Dragset wonen en werken in Berlijn.

(vanaf 2020)

portret van de kunstenaars Elmgreen & Dragset

Kehinde Wiley, Go

Het handgeschilderde glazen drieluik van Kehinde Wiley, dat het immense plafond van de entreehal aan 33rd Street Midblock domineert, viert de levendigheid en virtuositeit van lichamen in beweging op monumentale schaal. Go Het is een uitbundige weergave van jonge, zwarte New Yorkers in poses ontleend aan breakdance, de moderne dansstijl die in de jaren 1960 en 70 op de straten van New York ontstond onder Afro-Amerikaanse en Latino jongeren. Wiley put inspiratie uit de klassieke Europese traditie van fresco's op plafonds en gebruikt een uitgesproken verkortingstechniek (vaak geassocieerd met de 18e-eeuwse meester Giovanni Battista Tiepolo) om de indruk te wekken van figuren die naar de hemel opstijgen. Hij legt ze vast midden in een beweging, tegen golvende wolken in een stralend blauwe lucht, terwijl ze zich uitstrekken en draaien in poses die de combinatie van precisie, atletisch vermogen en expressie belichamen die inherent is aan deze acrobatische stijl. Wiley geeft zijn onderwerpen rollen die traditioneel zijn voorbehouden aan heiligen en engelen, en beeldt ze af als unieke individuen gekleed in hun alledaagse straatkleding. Deze hedendaagse avatars van het sublieme zijn ontzagwekkend in hun zwaartekracht tartende vermogens, maar tegelijkertijd herkenbaar voor elke metroreiziger; een beeld van vreugde op het snijvlak van het epische en het intieme. Go Wiley gebruikt metaforische taal als thema licht en goddelijkheid om het talent, de schoonheid en de kracht van zwarte lichamen te onthullen. Door de stedelijke omgeving te transformeren in een hemels droomlandschap, brengt hij een optimistische geest van veerkracht, mogelijkheden en overlevingsdrang over.

Meer informatie

De afgelopen twintig jaar heeft Wiley erkenning gekregen voor zijn zeer naturalistische schilderijen van zwarte en bruine mensen in poses en vormen ontleend aan de canon van de westerse kunstgeschiedenis. Hij nodigt vaak jongeren die hij in stedelijke centra over de hele wereld ontmoet uit om een pose naar keuze aan te nemen, gebaseerd op portretten van Europese oude meesters. Hiermee benadrukt hij de complexe en hardnekkige sociaal-politieke geschiedenis die heeft geleid tot de uitsluiting van mensen van kleur uit een groot deel van de kunstgeschiedenis. De laatste jaren heeft Wiley zijn werkterrein uitgebreid naar de genres van beeldhouwwerk en openbare monumenten, evenals naar glas-in-lood. Het driedelige, van achteren belichte werk reageert op een scherpzinnige manier op de architectonische context, waarbij het de dakramen van Moynihan Train Hall weerspiegelt en details van het sierlijke ijzerwerk van de gevel van het gebouw verwerkt in de uitgebreide lijst die de compositie omlijst. Go Dit is zijn eerste permanente, locatiegebonden installatie in glas.

Kehinde Wiley (geboren in 1977 in Los Angeles, Californië; woont en werkt in New York City en Dakar, Senegal)
Go, 2020
Glas-in-lood met aluminium frame, gipsen lijst, stalen constructie en LED-lichtpaneel
17'6" L x 55'8" B x 10" D
In opdracht van Empire State Development in samenwerking met Public Art Fund

Installatiefoto's

Een felgekleurd drieluik van gebrandschilderd glas, waarop jonge zwarte mensen in breakdance-poses zijn afgebeeld, tegen de achtergrond van golvende wolken in een stralend blauwe hemel.

Detail van een felgekleurd drieluik van gebrandschilderd glas, waarop een jonge zwarte vrouw is afgebeeld in een pose geïnspireerd op breakdance, tegen een achtergrond van golvende wolken in een schitterende...

Kehinde Wiley erkent met dankbaarheid Brad Ogbonna, Chelsea Guerdat, David Muller van DCM Fabrication, Dee en Ricky Jackson, Dominick Conetta van DUN-RITE Specialized Carriers, Gabriella Wilks, Janine Cirincione, Jesenia Pineda, Jey Yaro, Jitka en Richard Kanta van SKLO, John Fedoroff, John Thomas, Kylie Corwin, Lya Pouleyy, Malak Lunsford, Rosey Selig-Addiss, Sabel Boykin, Sarina Martinez, Sasha Boykin, Sean Kellyen Taquane Butler.

Over de kunstenaar

Kehinde Wiley Bekijk profiel

Kehinde Wiley (geb. 1977, Los Angeles) staat vooral bekend om zijn levendige portretten van hedendaagse Afro-Amerikanen en mensen uit de Afrikaanse diaspora, waarmee hij de hiërarchieën en conventies van de Europese en Amerikaanse portretkunst ondermijnt. Hij nodigt vaak jongeren die hij in stedelijke centra over de hele wereld ontmoet uit om een pose naar keuze aan te nemen, geïnspireerd op portretten van Europese oude meesters. Hiermee benadrukt hij de complexe en hardnekkige sociaal-politieke geschiedenis die heeft geleid tot de uitsluiting van mensen van kleur uit een groot deel van de kunstgeschiedenis. De afgelopen jaren heeft Wiley zijn werkterrein uitgebreid naar de genres beeldhouwkunst en openbare monumenten, evenals naar glas-in-lood. Wiley werkt met schilderkunst, beeldhouwkunst en video en zijn portretten dagen kunsthistorische narratieven uit en heroriënteren deze, waardoor complexe kwesties aan het licht komen die velen liever onbesproken laten. In 2018 werd Wiley de eerste zwarte kunstenaar die een officieel presidentieel portret van de VS schilderde voor de Smithsonian National Portrait Gallery; voormalig president Barack Obama koos Wiley voor deze eer. In 2019 presenteerde de kunstenaar zijn eerste grootschalige openbare sculptuur op Times Square in New York: een bronzen ruiterstandbeeld ter ere van de heldhaftigheid van jonge zwarte mannen in Amerika. In 2020 werd Wiley door Frankrijk benoemd tot Ridder in de Orde van Kunst en Letteren.

Wiley heeft solotentoonstellingen gehouden in het Museum of Black Civilizations, Dakar, Senegal (2024); het de Young Museum, San Francisco (2023); de National Gallery, Londen (2021); het Brooklyn Museum, New York City (2020, 2015); het Seattle Art Museum, Washington (2016); het Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Parijs (2016); en het Jewish Museum, New York City (2012). Opmerkelijke groepstentoonstellingen zijn onder andere: Verstrengelde verledens: 1768–heden, Koninklijke Academie van Kunsten, Londen (2024); Reuzen: Kunst uit de Dean-collectie van Swizz Beatz en Alicia Keys, Brooklyn Museum, New York City (2024); Ficties van mannelijkheid: Carpeaux opnieuw vormgegeven, Het Metropolitan Museum of Art, New York City (2022); De Obama-portrettentours, Art Institute of Chicago (2021, reisde naar het Brooklyn Museum in New York City en LACMA in Los Angeles); en portretten van zwarte Amerikanen, LACMA, Los Angeles (2021). Zijn werk is opgenomen in de collecties van de National Portrait Gallery, Washington, DC; het Los Angeles County Museum of Art, CA; het Hammer Museum, Los Angeles; het Museum of Contemporary Art, Los Angeles; The Metropolitan Museum of Art, New York City; het Studio Museum in Harlem, New York City; het Jewish Museum, New York City; het Victoria and Albert Museum, Londen; en het Brooklyn Museum, New York City. Hij is de oprichter en voorzitter van Black Rock Senegal. Wiley woont en werkt in New York City en Dakar, Senegal.

(vanaf 2024)

Over creatieve samenwerkingsverbanden

In navolging van onze kernmissie om dynamische tentoonstellingen te presenteren van 's werelds meest boeiende kunstenaars en cultuur voor iedereen toegankelijk te maken, Public Art FundCreatieve partnerschappen brengt expertise op het gebied van strategische planning, curatie, projectmanagement en communicatie naar toonaangevende culturele instellingen, bedrijven en maatschappelijke organisaties wereldwijd. Door middel van deze samenwerkingen, Public Art Fund Wij geven opdracht tot het creëren van permanente installaties en tijdelijke tentoonstellingen, in lijn met de unieke visie van onze partners en de specifieke kenmerken van elke locatie. Dit resulteert in nieuwe kunstwerken die de openbare ruimte activeren, een betrokken publiek creëren en de impact van de initiatieven van onze partners versterken door de kracht van publieke kunst.

stan douglas

Een halve eeuw Penn Station

Moynihan-treinhal

Permanent te bezichtigen

Elmgreen & Dragset

The Hive

Moynihan-treinhal

Permanent te bezichtigen