Public Art Fund werd in 1977 opgericht door Doris C. Freedman (1928–1981), een voorvechter van kunstenaars en de rol die kunst speelt in het dagelijks leven van de stad. Ze was ook de eerste directeur Culturele Zaken van New York City en voorzitter van de Municipal Art Society of New York.
Freedman was een onvermoeibare voorvechter van openbare kunst en culturele toegankelijkheid. Ze leidde de strijd voor de legalisering van kunstenaarsresidenties in Soho en speelde een belangrijke rol bij de goedkeuring van de New Yorkse wetgeving inzake kunstenaarsresidenties. Procent voor kunst wetgeving uit 1982, die vereist dat een deel van het budget voor door de stad gefinancierde bouwprojecten wordt toegewezen aan kunst. Als voorzitter van de Gemeentelijke KunstverenigingFreedman speelde een belangrijke rol bij de oprichting van het Urban Center, een combinatie van vergadercentrum, kantoorgebouw en tentoonstellingsruimte voor architecten, stedenbouwkundigen en belangenbehartigers. Freedman was tevens de drijvende kracht achter de inspanningen van de Municipal Art Society om publieke steun te verwerven voor het behoud van Grand Central Terminal in het kader van de sloop.
In 1971 richtte ze de non-profitorganisatie op. Raad voor de Openbare Kunsten terwijl hij tegelijkertijd president was van Stadsmuren Inc., een organisatie die grootschalige schilderijen aanbracht op de lege zijwanden van gebouwen in New York City. Onder haar leiding ontwikkelden beide organisaties programma's om de mogelijkheden van kunst als integraal onderdeel van stedelijke openbare ruimtes te onderzoeken.
In 1977 fuseerde Freedman Public Arts Council en City Walls Inc. tot één organisatie. Public Art Fund, een 501(c)(3) non-profitorganisatie die afhankelijk is van bijdragen van particulieren, bedrijven en stichtingen. Door Freedmans visie om baanbrekende kunstenaars in verschillende stadia van hun carrière te ondersteunen, Public Art Fund Ze werd bekend als een fervent voorstander van jonge kunstenaars. Ze hielp experimentele projecten te presenteren als werk van de kunstenaar. Eric Arctander in 1980 werd de oorspronkelijke kustlijn van Nieuw Amsterdam geïllustreerd, en een werk van een dichter Daniel Wolf en beeldhouwer Robert Taplin, dat bestond uit een verhaal dat werd verteld via kleine kijkvensters die rondom Union Square waren geplaatst.
Freedman, geboren en getogen in New York, studeerde aan Albright College en behaalde een master in sociaal werk aan Columbia University. Ze werd benoemd tot erelid van het American Institute of Architects. Freedman was tevens lid van de Mayor's Commission for Cultural Affairs en de adviesraad van de Columbia University School of Social Work. Ze zat in het bestuur van de Parks Council, de Municipal Art Society, de Eliot Feld Ballet Company en de Board of Overseers van de Parsons School of Design. Daarnaast was ze trustee van het Pratt Institute en van Albright College, waar ze meehielp bij de oprichting van de Freedman Gallery. Ze was ook co-presentatrice van "Kunstenaars in de stad", een wekelijks radioprogramma op WNYC dat professionele kunstenaars en hun innovatieve werk in gemeenschappen rondom New York City introduceerde.
Ter nagedachtenis aan Freedmans visie heeft burgemeester Edward I. Koch het volgende opgericht: Doris C. Freedman Plaza bij de zuidoostelijke ingang van Central Park. Sinds november 1977 is de locatie een van de Public Art FundDe meest gevierde locaties van 's voor wisselende tentoonstellingen. Daarnaast heeft burgemeester Koch de Doris C. Freedman-prijs In 1982 werd ter ere van Freedman een prijs ingesteld, waarmee jaarlijks een persoon of organisatie wordt erkend voor een bijdrage aan de inwoners van New York City die de openbare ruimte verrijkt. In 2023 werd de muurschildering van Richard Haas op 112 Prince Street – een 75 meter breed en vijf verdiepingen hoog werk, oorspronkelijk in opdracht van City Walls Inc. – gerestaureerd door muurschilder Robin Alcantara op aanbeveling van CITYarts, Inc., ter ere van Freedmans baanbrekende werk op het gebied van openbare kunst.
Freedmans dochter, Susan K. Freedman, zet de nalatenschap van haar moeder voort als president van Public Art Fund.
In Public Art Fundpodcastserie van , Openbare kunstwerkenKunstenaars en culturele leiders verkennen actuele thema's zoals activisme, representatie, feminisme en zelfs straatvoedsel door de lens van openbare kunst in New York City.
Wist je dat Shake Shack oorspronkelijk is ontstaan als een Public Art Fund project?
Wie zouden er vertegenwoordigd moeten worden door monumenten in onze openbare ruimtes?
Welke rol speelt kunst in activisme en protest?
Deze en andere onderwerpen komen aan bod in ons eerste seizoen van zes afleveringen, gepresenteerd door acteur Jeffrey Wright. In de serie zijn gesprekken te horen met diverse stemmen, waaronder kunstenaars Ai Weiwei, Sue de Beer, Kate Gilmore, Xaviera Simmons, Hank Willis Thomas, Lawrence Weiner en Erwin Wurm; activisten Paola Mendoza en Arianna Gil; chef-kok en restauranteigenaar Danny Meyer; president van de Ford Foundation Darren Walker; commissaris van het Bureau voor Immigrantenzaken van de burgemeester, Bitta Mostafi; culinair schrijver Joe DiStefano; directeur van het Center for Curatorial Studies aan Bard College en voormalig directeur van... Public Art Fund, Tom Eccles; voormalig projectspecialist bij Con Edison, Lisa Frigand; Public Art FundNicholas Baume en Susan K. Freedman van 's zelf; en gewone New Yorkers!
Afleveringen zijn beschikbaar hier of via iTunes, Spotify, Google en Alexa.
Negen vrouwen Het kunstwerk van Alex Katz (geb. 1927, New York City, NY) is een 240 meter lang billboard in het hart van Times Square, het epicentrum van het New Yorkse theaterdistrict. Doris C. Freedman, voorzitter van de Public Arts Council, merkte op dat Katz' werk "een uitstekend voorbeeld is van hoe openbare ruimtes kunnen worden verlevendigd en verfraaid door de integratie van kunst in de stedelijke omgeving. Alex Katz' ontwerp – een processie van 24 vrouwengezichten – voegt een vloeiend, licht en ruimtelijk gevoel toe aan de doorgaans drukke omgeving van 42nd Street en Broadway." Het werk bestaat uit 23 vrouwenhoofden – elk 20 meter hoog – die op het 240 meter lange billboard en de 60 meter hoge toren erachter staan, waarmee de kenmerkende visie van een van de meest vooraanstaande hedendaagse kunstenaars van het land wordt versterkt op de meest commerciële verkeersader van Amerika.
Agnes Denes (geb. 1931, Boedapest, Hongarije) en haar assistenten plantten en oogstten 1.5 hectare tarwe op de vuilstortplaats van Battery Park City. Het planten bestond uit het met de hand graven van 285 voren, het verwijderen van stenen en afval, en vervolgens het met de hand zaaien en afdekken van de voren. Elke voor duurde twee tot drie uur. Denes en haar assistenten onderhielden het veld vier maanden lang, installeerden een irrigatiesysteem, wiedden, brachten meststoffen aan, verwijderden met de hand stenen, rotsblokken en draden, en sproeiden tegen meeldauw. Op 16 augustus 1982 oogstte Denes de tarwe, die bijna 1000 kilo gezonde, goudgele tarwe opleverde. Denes omschrijft het project als een “symbool, een universeel concept. Het staat voor voedsel, energie, handel, wereldhandel, economie. Het verwijst naar wanbeheer en wereldhonger. Het is een inbreuk op de Citadel, een confrontatie met de Hoge Beschaving. Maar tegelijkertijd is het ook Shangri-La, een klein paradijs, je jeugd, een warme zomermiddag op het platteland, vrede. Vergeten waarden, eenvoudige genoegens.”
Berichten aan het publiek vormde een belangrijk onderdeel van de Public Art FundDe tentoonstelling, die liep van 1982 tot 1990, toonde een reeks projecten van kunstenaars die speciaal voor het Spectacolor-bord op Times Square waren gemaakt.
Zoals Russell Miller van de Ohio-krant The Toledo Blade uitlegde in zijn artikel van 19 februari 1984: "Elke maand presenteert een andere kunstenaar een animatie van 30 seconden op het Spectacolor-lichtbord – een 800 vierkante meter groot scherm met 8,000 rode, witte, blauwe en groene lampen van 60 watt die het uitzicht op Times Square domineert. De spot wordt meer dan 50 keer per dag herhaald gedurende twee weken, ingeklemd tussen computergeanimeerde reclamespots van 20 minuten."
Als Artist-in-Residence construeerde David Hammons (geb. 1943, Springfield, IL) een tijdelijke sculptuur getiteld Hogere doelenHet kunstwerk werd ter plaatse gebouwd in Cadman Plaza Park in Brooklyn, gedurende een periode van acht weken.
Hogere doelen Het kunstwerk bestaat uit vijf telefoonpalen, bekleed met flesdoppen, met een hoogte van 20 tot 30 meter. Bovenaan elke paal is een basketbalbord (ook bedekt met flesdoppen) gemonteerd, compleet met basket en net. In een arbeidsintensief proces spijkerde Hammons meer dan 10,000 flesdoppen op het oppervlak van elke paal om kenmerkende ruit-, spiraal- en gaaspatronen te creëren. Hammons legde het concept achter Higher Goals uit met een analogie met professionele basketbalteams. "Er zijn vijf spelers nodig voor een team, maar er zijn duizenden die willen spelen – niet iedereen zal het halen, maar zelfs als dat niet zo is, hebben ze het in ieder geval geprobeerd." Deze uitspraak illustreert Hammons' persoonlijke overtuiging dat ambities niet beperkt moeten blijven tot vastgestelde grenzen en dat individuen doelen op een hoger niveau moeten stellen (dat wil zeggen, boven de standaardhoogte van 10 meter van een basketbalnet).
Spinnen Het werk van Louise Bourgeois (1911-2010, geboren in Parijs, Frankrijk) was in de zomer van 2001 te zien in Rockefeller Center. Het werk toont een 30 meter hoge spin. Mom—wat "mama" betekent in Bourgeois' moedertaal, het Frans—draagt een mand met eieren en wordt geflankeerd door twee kleinere spinnen. Brian D. Leitch van The New York Times Magazine Er werd gezegd: "Louise Bourgeois, net als de gigantische moederspinsculptuur die ze een aantal jaren geleden maakte, heeft al meer dan zes decennia een web van wonderbaarlijk magnifieke kunstwerken gesponnen - en eindelijk, op 90-jarige leeftijd, krijgt ze de erkenning die ze verdient."
Public Art Fund, in samenwerking met de stad New York, presenteerde De watervallen van New York CityEen belangrijk nieuw kunstwerk in de openbare ruimte van de internationaal geprezen kunstenaar Olafur Eliasson (geb. 1967, Kopenhagen, Denemarken). De tentoonstelling van vier monumentale, door mensen gemaakte watervallen was tot 13 oktober 2008 te zien op vier locaties aan de oevers van de New Yorkse waterkant: één bij de Brooklyn Bridge; één op de Brooklyn Piers, tussen Pier 4 en 5 nabij de Brooklyn Heights Promenade; één in Lower Manhattan bij Pier 35, ten noorden van de Manhattan Bridge; en één aan de noordkust van Governors Island. De 27 tot 37 meter hoge watervallen die aan de kustlijn waren geplaatst, waren geopend van 17.30 tot 21.00 uur op maandag en woensdag en van 12.30 tot 21.00 uur op dinsdag en donderdag tot en met zondag. Ze werden na zonsondergang verlicht.
Tatzu Nishi (geb. 1960, Nagoya, Japan) is internationaal bekend om zijn tijdelijke kunstwerken die onze beleving van monumenten, beelden en architectonische details transformeren. Zijn installaties bieden het publiek een intieme inkijk in aspecten van onze stedelijke omgeving en veranderen tegelijkertijd onze perceptie radicaal. Voor zijn eerste publieke project in de Verenigde Staten heeft Nishi ervoor gekozen om zich te richten op het historische standbeeld van Christoffel Columbus.
Het marmeren beeld, dat meer dan 75 meter hoog is en op een granieten kolom staat, werd ontworpen door de Italiaanse beeldhouwer Gaetano Russo. Het werd onthuld in 1892 ter herdenking van de 400e verjaardag van Columbus' eerste reis naar Amerika. Ondanks de prominente openbare locatie is het beeld zelf weinig bekend en is het slechts als silhouet tegen de hemel of in de verte vanaf omliggende gebouwen te zien.
Het project van Nishi is een herinterpretatie van het kolossale, 13 meter hoge standbeeld van Columbus, geplaatst in een volledig ingerichte, moderne woonkamer. Met tafels, stoelen, een bank, een vloerkleed en een flatscreen-tv weerspiegelt de inrichting de interpretatie van de kunstenaar van de hedendaagse New Yorkse stijl. Hij ontwierp zelfs behang geïnspireerd op herinneringen aan de Amerikaanse populaire cultuur, die hij als kind in Japan beleefde door naar Hollywoodfilms en -televisie te kijken. Columbus ontdekken Het werk biedt een uniek perspectief op een historisch monument en een surrealistische ervaring van het beeldhouwwerk in een nieuwe context. Door ons mee te nemen op een reis zes trappen omhoog naar een fictieve woonkamer, nodigt Tatzu Nishi ons uit om zelf te ontdekken waar de verbeelding ons naartoe kan leiden.
Ai Weiwei ontwierp deze multimediale tentoonstelling, die zich uitstrekt over meerdere locaties, openbare ruimtes, monumenten, gebouwen, transportknooppunten en reclameplatforms in heel New York City. Samen vormen deze elementen een gepassioneerde reactie op de wereldwijde migratiecrisis en een reflectie op de diepgewortelde sociale en politieke drang om mensen van elkaar te scheiden. Voor Ai hebben deze thema's diepe wortels. Hij maakte als kind ballingschap met zijn gezin mee, leefde als immigrant en kunststudent in New York en ondervond recentelijk brute repressie als kunstenaar en activist in China. De tentoonstelling put uit vele aspecten van Ai's carrière als beeldend kunstenaar en architect, en is geïnspireerd door zowel zijn eigen levenservaring als het lot van ontheemden. In 2016 reisden Ai en zijn team naar 23 landen en meer dan 40 vluchtelingenkampen voor de opnames van zijn documentaire. Menselijke stroom.
"Goede hekken maken goede buren" is een volksspreekwoord dat wordt aangehaald in het gedicht Mending Wall van de Amerikaanse dichter Robert Frost, waarin de noodzaak van een grensmuur ter discussie wordt gesteld. Ai koos deze titel met een ironische glimlach en een scherp oog voor hoe populistische ideeën vaak angst en vooroordelen aanwakkeren. Bezoekers van de tentoonstelling zullen ontdekken dat Ai's "goede hekken" geen ondoordringbare barrières zijn, maar krachtige, meeslepende en betekenisvolle toevoegingen aan het stedelijk weefsel.
Stromingsscheiding Dit is een opdracht van de in New York gevestigde kunstenaar Tauba Auerbach (geb. 1981, San Francisco, CA), die de historische brandweerboot John J. Harvey transformeert tot een hedendaags 'dazzle-schip'. De originele dazzle-patronen, uitgevonden door de Britse schilder Norman Wilkinson tijdens de Eerste Wereldoorlog, werden op schepen geschilderd om hun vorm optisch te vervormen, waardoor vijandelijke onderzeeërs in verwarring raakten bij het bepalen van hun afstand, richting en snelheid. Met hun geometrische vormen waren de dazzle-ontwerpen sterk beïnvloed door zowel dierencamouflage als avant-garde stromingen zoals het kubisme, futurisme en vorticisme. Duizenden schepen werden in het Verenigd Koninkrijk en de Verenigde Staten van dazzle-patronen voorzien, waaronder in New York City bij de Brooklyn Navy Yards.
Estructuras Monumentales Dit is de eerste grote tentoonstelling van buitensculpturen van de in New York gevestigde kunstenares Carmen Herrera (1915-2022, geboren in Havana, Cuba). Ze maakt al meer dan 70 jaar levendige, abstracte schilderijen, maar heeft pas recent de welverdiende erkenning in de kunstgeschiedenis gekregen. Herrera's stralende composities vereenvoudigen dynamisch naast elkaar geplaatste vormen tot hun puurste elementen van kleur en geometrie, waardoor een kenmerkende en iconische helderheid ontstaat door de nadruk te leggen op wat zij ziet als "de schoonheid van de rechte lijn".
Herrera's Structuren De sculpturenreeks is nog minder bekend. Geïnspireerd door haar architectuuropleiding begon Herrera de reeks in de jaren 1960 met een groep schematische schetsen. Ze stelde zich grootschalige, monochrome sculpturen voor die de ervaring van haar lichtgevende schilderijen in drie dimensies zouden uitbreiden. Tot voor kort zijn deze historische voorstellen onverwezenlijkt gebleven. Estructuras MonumentalesDeze opmerkelijke kunstenares krijgt nu voor het eerst de kans om haar krachtige werken met een breed publiek te delen.
Verovering Conquest is een meeslepende nieuwe collectieve performance, bedacht door de befaamde kunstenaar Pope.L (1955–2023, geboren in Newark, New Jersey). Het is geïnspireerd op zijn iconische solo-crawls, waarbij de kunstenaar zich door verschillende stedelijke landschappen sleepte. Conquest, dat zich door de straten en parken van Downtown Manhattan beweegt, zet deze oneerbiedige en provocerende traditie van publieke performances, die al 40 jaar bestaat, voort met een ambitieuze groepscrawl waaraan meer dan 140 vrijwilligers deelnemen.
De kunstenaar selecteerde deelnemers die de culturele en demografische diversiteit van New York City weerspiegelen. Zij kropen in estafettevorm een route van 2,4 kilometer (1.5 mijl) van de John A. Seravalli Playground in West Village naar Union Square, via de triomfboog in Washington Square Park. Kruipend ervaren vreemden samen de worsteling en kwetsbaarheid van het opgeven van hun fysieke privileges, waarmee ze hun eigen sociale en politieke voordeel satiriseren. Naarmate het verloop van Pope.L's Conquest zich ontvouwde, kregen we allemaal inzicht in de kracht en de tegenstrijdigheden van collectieve actie.
Te zien aan de oevers van deze voormalige haven, Zwarte Atlantische Oceaan Deze tentoonstelling is geïnspireerd op de diaspora over de oceaan die Afrika verbindt met Amerika en Europa. Door de eeuwen heen hebben deze trans-Atlantische netwerken geleid tot complexe hybride culturen en identiteiten, zoals die van de vijf kunstenaars die in Black Atlantic te zien zijn. Elk werk suggereert een unieke creatieve benadering om nieuwe identiteiten en toekomstperspectieven te creëren door middel van persoonlijke, handgemaakte objecten, vaak in dialoog met de processen van grootschalige productie. De kunstenaars hebben zowel wereldwijde geschiedenissen als persoonlijke ervaringen gebruikt om deze indrukwekkende werken te creëren, die even inventief zijn in vorm en materiaal als krachtig in hun thema's.
Aïda Muluneh, geboren in Ethiopië en momenteel woonachtig in Ivoire, maakt levendige foto's die haar nationale, politieke en culturele identiteit belichten. Door middel van metaforen creëert ze vignetten die op poëtische wijze facetten van haar ervaringen als Ethiopische vrouw en immigrant weergeven. Muluneh verliet Ethiopië op jonge leeftijd en groeide op in Jemen en Engeland. Later woonde ze in Cyprus en Canada voordat ze in de Verenigde Staten ging studeren. Haar werk weerspiegelt haar betrokkenheid bij het delen van complexe, typisch Afrikaanse perspectieven, evenals haar eigen reizen over de hele wereld. Dit is waar ik ben is een tentoonstelling van 12 nieuwe kunstwerken van Muluneh (geb. 1974, Addis Abeba, Ethiopië), gepresenteerd in meer dan 330 JCDecaux-bushokjes in New York, Boston en Chicago in de Verenigde Staten, en Abidjan in Ivoorkust.
We gebruiken cookies om uw online ervaring te verbeteren; er worden geen persoonlijke gegevens opgeslagen. Privacybeleid